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SCREAM

LE CRI D’UN AUTEUR

 

Le choix du film Scream, pour prouver la présence d’auteurs dans le système de production hollywoodienne peu paraître surprenant. Scream est l’archétype du film répondant à des recettes commerciales et intégré dans l’industrie cinématographique. De plus, c’est un film inscrit dans un genre précis avec tout ce que cela comporte de règles et de contraintes.  Le genre “gore” est méprisé et considéré comme mineure et souvent dénué d’intérêt. On considère généralement, que c’est le dernier endroit où l’on pourrait débusquer un véritable auteur, au vrai sens du terme. Nous nous trouvons face à un cas particulier extrême, proche en cela de la notion d’auteur démontré à travers l’œuvre de Fritz Lang.

 

Pour dépister l’auteur, dans ce film, il est pour une fois préférable de s’attarder davantage sur la thématique et la réalisation que sur l’étude génétique du scénario. Celui-ci a été écrit par Kevin Williamson et non par Wes Craven.

 

Il est très difficile de déterminer quelle a été la collaboration exacte de Wes Craven à l’écriture du scénario. Mais il est évident que l’ombre du cinéaste plane sur le scénario de Scream et ceci à plusieurs niveaux. Les thèmes traités dans cette fiction, qui font de Scream un véritable film d’auteur, proposant une vision sur le monde, sont la dimension psychanalytique omniprésente, la mise en abîme de l’outil cinématographique et le portrait acerbe des adolescents américains d’aujourd’hui. Ces thèmes font partis, d’une manière générale, des éléments omniprésents dans l’œuvre de Wes Craven, qui à partir du scénario de Kevin Williamson a intégré dans le film de manière plus ou moins souterraine son univers.

 

 

FICHE TECHNIQUE ET ARTISTIQUE

 

Titre : Scream

Date de production : 1996

Date de sortie en France : 16 juillet 1997

Durée originale : 111’

Couleur

Production : Miramax / Dimension Films / Woods Entertainment

Producteur  : Cary Woods et Cathy Konrad

Producteurs exécutifs : Bob Weinstein, Harvey Weinstein et Marianne Maddalena

Distribution : CIPA / Les films Number One

 

Mise en scène : Wes Craven

Assistant réalisateur : Nichola Mastandrea

Scénario : Kevin Williamson

 

Musique : Marco Beltrami

 

Directeurs de la photographie : Mark Irwin

Directeur Artistique : David Lubin

Casting : Lisa Beach

Décors  : Bruce Alain Miller

Effets Spéciaux : Mark R. Byers

 

Monteur : Patrick Lussier

 

Interprétation :

Neve Campbell ( Sidney Prescott ) ; David Arkette ( Dwight Riley ) ; Courteney Cox ( Gale Weathers ) ; Rose Mc Gowan ( Tatum Riley ) ; Skeet Ulrich ( Billy Loomis ) ; Matthew Lillard ( Stuart Maker )  ; Jamie Jennedy ( Randy Meeks ) ; Drew Barrymore                             ( Casey Becker ) ; Roger L. Jackson ( Phone Voice ) ; Kevin Patrick Walls ( Steven Orith ) David Booth ( Casey’s father ; Carla Hatley ( Casey’s mother ) ; Lawrence Hecht ( Neil Prescott )  ; Liev Schreiber ( Cotton Weary ) ; W. Earl Brown ( Kenny, the cameraman ) ; Joseph Whipp ( Sheriff Burke ) ; Henry Winkler ( Principal Himbry ).

 

Le film remporta le Grand Prix du film fantastique de Gérardmer en 1997 et le Prix “Première” du public.

 

 

L’HISTOIRE

 

            La petite ville de Woodsboro est terrorisée par un tueur en série qui harcèle ses victimes au téléphone avant de les tuer en s’inspirant des plus grands films d’horreur. Très vite tout le monde devient suspect. La jeune Sidney Prescott, qui se remet à peine de la mort tragique de sa mère, un an plus tôt, fait l’objet de toutes les attentions du tueur.

 

Scream décrit le parcours initiatique d’une lycéenne perturbée, menacée par un serial Killer qui, nous l’apprendrons à la fin du film, a déjà tué sa mère.

 

 

 

WES CRAVEN

 

Il est né en 1949, à Cleveland, dans l’Ohio. Wes Craven obtient une maîtrise de lettres et de philosophie à l’Université de Baltimore, qui lui permet d’enseigner les sciences humaines et la dramaturgie dans les Universités de Westminster et de Clarkson. C’est après avoir tourné un moyen métrage en 16 mm pour une association d’étudiants que Wes Craven abandonne l’éducation pour se consacrer au cinéma.

 

A New York, il se voit confier le rôle de superviseur sur plusieurs documentaires consacrés à la guerre du Viêt-Nam. Après quelques films en qualité de co-producteur, il écrit et réalise Last house on the Left, en 1973, un film d’horreur qui le fait remarquer et lui permet de réaliser, quatre ans plus tard, ce qui aujourd’hui considéré comme un classique du genre : The Hills Have Eyes. Le film remporta le Prix du meilleur film au festival de Londres, le Grand Prix du festival de Sitges et le Prix de l’Académie du cinéma fantastique et de SF de Los Angeles. Par la suite Wes Craven réalisera de nombreux films fantastiques qui font partie des grands succès du genre autant du point de vue commerciale qu’artistique et critique. On retiendra notamment A Nightmare on Elm Street, mettant en scène l’incontournable Freddy, héros de sept films par la suite. Wes Craven conclura lui-même la série avec un certain panache dans Wes Craven’s New Nightmare en 1994.

 

 

 

 

 

 

Wes Craven a été élevé au rang de maître de l’horreur, à l’image de John Carpenter consacré maître du fantastique. Il a jusqu’à présent toujours évolué dans un genre précis et réalisé des films que l’on pourrait qualifier de série B, si cette catégorie existait encore à Hollywood. C’est un cinéaste de genre qui respecte ses lois et ses codes, tout en le questionnant inlassablement. Wes Craven est l’inventeur, avec le personnage de Freddy, de l’un des mythes post-modernes du cinéma populaire, qui marqua toute une génération. Pour Wes Craven, le genre, proche de la mythologie, est un moyen de parler du présent. Il considère que les films d’horreur sont les contes de fées modernes.

 

 

FILMOGRAPHIE

 

1973                Last House on the Left

1977                The Hills Have Eyes (La colline a des yeux)

1981                Deadly Blessing (la ferme de la terreur)

1982                Swamp Thing (la créature du marais)

1984                A Nightmare on Elm Street (Les griffes de la nuit)

1986                The Hills Have Eyes, part 2 (LA colline a des yeux 2)

1988                The Serpent and the Rainbow (L’emprise des ténèbres)

1989                Shocker (id.)

1991                The People Under the Stairs (Le sous-sol de la peur)

1994                Wes Craven’s New Nightmare (Freddy sort de la nuit)

1996                Vampire in Brooklyn (Un vampire à Brooklyn)

1996                               Scream

1997                               Scream 2

 

Wes Craven va enfin quitter le genre après sa longue période “mythologique”, avec un film tiré d’un documentaire sur un professeur de violon. Ce projet est depuis longtemps en préparation, mais son contrat avec Miramax l’oblige à réaliser les deux suites de Scream pour pouvoir enfin s’attaquer à ce film qui lui tient à cœur. Scream 2, tout en étant toujours inspiré n’a pas la même force que Scream. Le scénario est tout d’abord plus faible, l’effet de surprise du premier s’est évanoui et surtout on se rend très bien compte que Wes Craven ne s’est pas investi comme dans le premier opus. Il prépare actuellement le tournage de Scream 3. Craven est véritablement pris dans l’étau du système hollywoodien et est près à faire des sacrifices pour réaliser ses projets plus personnels.

 

 

KEVIN WILLIAMSON

 

On doit au jeune Kevin Williamson une série de scénarios traitant de l’horreur et plus généralement des adolescents. Il semblerait qu’il est trouvé son créneau puisque commercialement les films et la série dont il est le scénariste connaissent un succès public. Concernant, l’intérêt artistique de ses scénarios, c’est un tout autre débat ; mais à la vision des autres films adaptés de ses scénarios, on réalise aisément que c’est entre les mains du réalisateur que tout se joue.

 

 

 

 

Le scénariste s’est spécialisé dans les films à frissons pour adolescents avec plus ou moins de réussites. On lui doit : I know what you did last Summer et sa suite I still know what you did Last Summer, Scream 2 et bientôt Scream 3, ainsi que Halloween H20, The Faculty et la série télévisée Dawson’s Creek. Williamson surfe allègrement sur le succès inespéré, à l’époque, de Scream. Il vient de se lancer dans la réalisation, en adaptant son premier scénario, Killing Mrs. Tingle.

 

 

SCREAM UN FILM DANS L’INDUSTRIE

 

Scream est un film totalement intégré dans le système Hollywoodien. Il a été produit par les opportunistes et talentueux frères Weinstein, qui dirigent la société indépendante Miramax. Cette société de production et de distribution n’est indépendante qu’en apparence puisqu’elle appartient aux studios Disney depuis 1995. Les deux frères se sont fait connaître grâce à leur méthode de distribution inventive de films jugés difficiles destinés, à l’origine, à une sortie confidentielle. Ils ont à leur actif un nombre considérable d’oscars et de nominations depuis le début des années 90.

 

Il faut bien être conscient que le film de Wes Craven est un film commercial à tout point de vue. Il utilise clairement des recettes et des techniques tournées vers la recherche du profit à l’œuvre dans l’industrie hollywoodienne. Il s’inscrit dans un créneau à l’abandon depuis quelques années, à savoir le film d’horreur pour adolescents. Scream est clairement un film que l’on pourrait qualifier de “mode”. Il suffit de prêter attention au casting pour comprendre cette optique ouvertement mercantile. Les interprètes principaux, sans être des acteurs de cinéma très connus – c’est un film de seconde catégorie - , sont pour la plupart des acteurs de séries télévisées à succès, très populaires aux Etats-Unis. Ce qui nous ramène à la cible visée par le film : les adolescents. Neve Campbell, le personnage principal de Scream, est l’une des héroïnes de la série Party of five qui bénéficie d’une grande notoriété aux     Etats-Unis. Cette série est diffusée en France sous le titre la vie à cinq sur le câble et sur la chaîne généraliste M6. On retrouve également au générique Courteney Cox, actrice du sitcom désormais incontournable qu’est Friends, diffusé sur Canal Jimmy et sur France 2 en France. Ces deux séries sont destinées avant tout aux 12-25 ans, ce qui renvoie à la volonté des producteurs de s’installer dans un créneau bien défini en terme de tranche d’age. Les héros du film sont dons des adolescents avec des problèmes d’adolescents, qui tournent en majeur partie autour du sexe - la présence d’un tueur dans leur vile étant tout de même leur préoccupation première -.

 

Le film fut un grand succès autant aux Etats-Unis qu’en France. Il dépassa les 2 millions de spectateur en France et les 100 millions de dollars de recettes au Box-Office américain, ce qui fut l’une des surprises de l’année cinématographique 1997. Cela montre à quel point les producteurs et le scénariste ont réussi à mettre au point un produit qui a su rencontrer un imaginaire social. En simple terme économique, on peut dire que l’offre à rencontrer une demande. D’un point de vue de tactiques purement commerciales, Scream est un grand succès, un véritable film d’expert en marketing !

 

 

 

A LA RECHERCHE DE L’AUTEUR PERDU

 

Ces considérations autour de l’aspect commercial du film, nous éloignent dangereusement de la notion d’auteur. Pourtant, aussi paradoxal que cela puisse paraître Scream est un véritable film d’auteur, qui, chose rare, a su rencontrer un public. La recherche de l’auteur est d’autant plus complexe que le film propose d’emblée une double lecture au premier et au second degré. Mais derrière cela, il y existe un troisième niveau de lecture qui combine les deux premiers niveaux, les transcendants en quelque sorte, pour donner naissance à une signature. Le film propose un véritable dialogue avec son spectateur, sous la forme d’une réflexion sur les règles et les lois du film d’horreur.

 

 

Avec Scream, Wes Craven pose un regard un peu pervers et sadique sur cette nouvelle génération, élevée dans le culte de Freddy et des serials-Killers, et sur l’évolution du genre. Scream est un “slasher movie”, c’est à dire un film qui met en scène un tueur munit d’une arme tranchante et qui s’attaque généralement à des jeunes gens. C’est un film d’horreur qui ne cesse de déconstruire les stratégies narratives du genre, mais dans le seul but de placer le spectateur à une distance critique. Le spectateur une fois installé dans cette position confortable dont il jouit avec une certaine délectation redécouvre les mécanismes essentiels de l’horreur et la ressent avec une intensité supplémentaire. Scream est aussi un film pour ceux qui n’ont jamais aimé les films d’horreurs et qui, pour une fois, prennent plaisir à en voir un en se moquant des amateurs du genre. Ils ont en quelques sortes la même position que Sidney dans le film, qui avoue détester ce genre de films, les jugeant consternant, mais qui sera la première à en être la victime. Scream ne cesse de déconstruire les mécanismes du film d’horreur et s’appuie pour cela sur la complicité du public devenu expert en la matière. Malgré sa connaissance préalable, le spectateur est plongé dans une horreur d’autant plus palpable qu’elle joue sur les codes précis du genre, et les mythes qui les soutiennent.

 

Wes Craven célèbre la puissance du cinéma, comme il l’a toujours fait dans tous ces films. Oeuvrant dans le cinéma d’horreur, la matrice principale est que le spectateur s’identifie. Craven utilise avec maestria cette toute puissance du cinéma, il semblerait que le Signifiant imaginaire soit son livre de chevet. En utilisant les principes de la déconstruction à l’œuvre dans le cinéma moderne, il parvient malgré tout à se reposer sur la jouissance primitive du cinéma.

 

Scream marque une nouvelle ère du film d’horreur, il est véritablement en rupture avec ce qui a été fait auparavant. C’est de rupture de ton dont il s’agit. Le film est d’une grande ironie. Il propose un regard sans cesse décalé sur ces personnages et sur les rebondissements du scénario. Le film analyse et déforme les codes et les règles du genre, il en est aussi le défenseur et l’illustrateur. L’humour est omniprésent et désamorce la montée de l’angoisse pour mieux la faire ressurgir par la suite.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

LA MECANIQUE IMPYTOYABLE DE SCREAM

 

 

Le téléphone

 

Tout commence par le harcèlement téléphonique. La technique du tueur, dans un premier temps, est plutôt élaborée. La victime potentielle est avant tout un instrument de jeu, chez qui il se plait à provoquer la peur et qui par contagion, du fait de l’identification atteint le spectateur. Sans bien entendu décliner son identité, avec la voix trafiquée, grâce à une progression lente, il amène son interlocutrice à comprendre qu’il est tout près d’elle et qu’il compte la tuer. Il lui faut d’abord un certain temps avant que la victime le prenne au sérieux. Casey (scène d’ouverutre), puis Sidney ne se rendent pas compte tout de suite que la menace est réelle et surtout proche. Casey est tout d’abord agacée, puis très vite prend peur et menace le tueur d’appelé son copain qui nous l’apprendrons juste après est à la merci du tueur.  A ce jeu là, Sidney est beaucoup plus sceptique que Casey et provoque son interlocuteur. C’est au moment où celui-ci lui parlera de sa mère qu’elle prendra peur et que la scène basculera de l’humour-frisson à la peur véritable.

 

 

Les tentatives de meurtre

 

Le tueur est revêtu d’un déguisement d’Halloween, une grande robe noire à frange solidaire d’un masque blanc. Le masque ressemble à s’y méprendre au célèbre tableau d’Edward Munch, Cri, qui nous renvoie à une interprétation secondaire. L’analyse globale du tableau d’Edward Munch repose sur la représentation de l’état intérieur du personnage à l’extérieur : l’angoisse absolue de l’âme humaine. Ceux qui se révèleront être les deux tueurs, Billy et Stuart, cachent derrière leur aspect d’adolescents, l’âme de meurtriers névropathes. Ce sont des monstres à visages d’anges. La figure inversée de celle que propose le masque. Retournement qui n’est pas sans signification quant au regard que porte Wes Craven sur les adolescents. Skeet Ulrich possède néanmoins un regard qui n’est pas sans rappeler celui d’Anthony Perkins dans Psychose. Ce regard fou est savamment utilisé dans Scream pour faire naître l’ambiguïté quant à l’innocence du personnage.

 

Lors des attaques “le tueur” est loin d’être efficace, malgré sa haute connaissance de l’art de tuer inspiré des films d’horreur. Il se prend tous les coups possibles et imaginables avant de parvenir à ses fins concernant Casey, c’est à dire sa mort. Car, concernant Sidney son but est tout autre. Il cherche avant tout à la terroriser, comme nous le comprendrons par la suite.

 

Après ces deux premières attaques, le meurtrier n’a plus recours au harcèlement téléphonique, sauf pour traumatiser Sidney un peu plus et innocenter définitivement Billy arrêté un peu plus tôt. Lors de la tuerie finale, il ne fera qu’attaquer et prendre des coups, pour notre plus grand plaisir.

 

 

 

 

 

 

 

Représentation : L’image de l’institution

 

Il y a dans Scream une bonne dose de satire. Chacun en prend pour son grade, personne n’est épargné. Le film propose une succession de stéréotypes de différentes figures de la société, simplifiées pour mieux être mises en relief.

 

            La police est clairement montrée comme totalement inefficace et surtout incapable. Elle est complètement dépassée par les événements. Les deux représentants de l’ordre sont des abrutis attachants. Il y a la figure paternelle, le shérif, et le jeune débutant complètement perdu tout fier de porter l’uniforme (Dwight Riley). Il est clairement montré comme à peine sorti de l’adolescence à la recherche de sa virilité, de son identité sexuelle. Sa jeune sœur le domine complètement et lui fait honte devant ses collègues. C’est la figure de castration qui domine chez lui. Il ne s’est toujours pas affirmé sexuellement. L’arrivée de la jeune et jolie journaliste va peut-être l’aider à s’affirmer. En tous les cas, c’est son innocence qui le sauve.

 

Les policiers arrivent toujours après coup. Seul Dwight sera présent lors de la scène finale, mais il sera poignardé hors-champ. Il n’aura même pas la faveur d’être attaqué dans le champ. Nous le verrons apparaître à la porte d’entrée arrivant comme le sauveur de Sidney, alors pourchassée, mais il s’effondra à peine arrivé sur le perron et nous découvrirons le poignard dans son dos.

 

 

L’éducation

 

L’institution scolaire est représentée par son proviseur, personnage qui a tout d’un psychopathe en puissance. L’éducation est montrée comme répressive. Ayant attrapé deux étudiants courant dans les couloirs et portant le déguisement du meurtrier, le proviseur n’hésite pas à les renvoyer. Tout en leur faisant la morale sur le très mauvais goût de la plaisanterie et le non-respect de la mémoire des victimes, il se munit d’une paire de ciseau pour découper les masques qu’il brandit face aux élèves. L’institution scolaire n’est pas montrée comme vraiment respectable.

 

 

Les Médias

 

Les journalistes présents dans la petite ville de Woodsboro sont tous des charognards avides de scoops. Par exemple, une journaliste se précipite au devant de Sidney, à peine sortie d’une voiture, lui braque son micro devant la figure et lui demande ce que cela lui fait d’être agressée.

 

Courteney Cox incarne, l’une de ses journalistes de scoop qui ne pense qu’à la vente de son livre et à sa notoriété. Elle n’hésite pas à manipuler les gens et à bafouer la mémoire des disparus. Il est vrai néanmoins qu’elle n’a pas tord concernant la mère de Sidney et la non-culpabilité de son assassin présumé.

 

Les commentaires des journalistes et les reportages télévisés servent de ponctuation et sont souvent porteurs d’informations.

 

 

 

Les adolescents : assoiffés de fiction

 

Wes Craven n’est pas tendre avec ses personnages principaux c’est à dire son public : les jeunes. Il met en scène son propre public avec une certaine cruauté. L’adolescent est vraiment mis en scène selon les stéréotypes de l’âge ingrat, où l’homme en gestation est bête et cruel. Sans pour autant mépriser ses personnages, Wes Craven fait un portrait sans concession de la jeunesse d’aujourd’hui. Il entretient davantage un regard anthropologique, qu’un regard compatissant. Une partie d’entre eux n’a pas de pitié, aucune charité, ni bon sentiment. Il suffit de voir cette scène dans les toilettes du Lycée, totalement gratuite, où deux adolescentes accusent en substance Sidney d’être une mythomane et d’avoir inventé son agression et commis ces meurtres pour que l’on s’intéresse à elle. L’autre partie, en majorité constituée de la gente masculine, est montrée comme une bande de décérébré sans scrupules, qui ne pensent qu’à s’amuser, en particulier en s’adonnant au sexe.

 

Wes Craven peint un drôle de portrait de la jeunesse pétrit de télévision et de films d’horreur. C’est l’une des dimensions les plus intéressantes du film qui dépeint une jeunesse non pas en perdition, mais en désengagement du réel sans autres repères que la fiction. Comme le dit Billy : “La vie est un film, nous sommes tous des figurants qui ne savent pas ce que leur réserve leur rôle”.

 

Pour en terminer, laissons la parole à Wes Craven qui décrit parfaitement le fonctionnement du film :

“Pour moi, ce qui compte, c’est que les ados de Scream sont encore des enfants, avec un appétit assez primaire de la vie, une complicité de groupe d’âge (…) Il y a davantage de cynisme chez les jeunes, plus de désenchantement, à tel point qu’une histoire comme Scream, qui taille -si j’ose dire- dans le vif, en deviendrait presque rafraîchissante. Quant aux personnages qui meurent, dans le film, ce sont les représentations de façons de penser ou d’agir dont les ados savent instinctivement qu’elles ne fonctionnent pas.”

 

“La question que je pose (et qui vaut pour le spectateur) est : les gens peuvent-ils trouver dans le meurtre un moyen d’expression ? … En un sens, ce que les personnages de Scream tentent de faire, c’est de démolir les mythes créés par la génération précédente : il faut absolument qu’ils soient responsables de ce qui se passe dans leur propre génération. Dans le monde actuel, on ne sait jamais qui deviendra dangereux ou qui sera “positif”… Tous ces modes d’être se concentrent, à la fin, dans le personnage principal de l’héroïne qui les résume tous – ce qui fait qu’elle n’est certainement plus innocente à la fin, même si elle garde une forme de pureté.”

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

PRINCIPE ORGANISATEUR : OU EST L’ASSASSIN ?

 

Scream n’est pas un film gore, ni même un véritable film d’horreur. Son but n’est pas de nous dégoûter par la profusion d’hémoglobine, mais davantage de provoquer en chaque spectateur la peur, non de ce qu’il voit, mais de ce qu’il ne voit pas. Le film s’inscrit davantage dans le non-représenté et ce que cela peut entraîner comme angoisses, que dans la violence représentée à l’écran. Même si le film est relativement sanguinolent – surtout dans sa dernière partie - la peur est crée avant tout par la suggestion. Wes Craven utilise donc l’une des plus vieilles recettes du cinéma : le suggéré au profit du représenté est un moteur de frayeur inégalable.

 

Craven joue davantage sur les nerfs du spectateur que sur son dégoût, contrairement au film gore qui multiplie les scènes les plus horribles mettant à mal la tolérance visuelle du spectateur. Le film gore, à d’ailleurs, dépassé la phase de dégoût pour s’orienter vers un second degré. Les intestins dégoulinant provoquent désormais davantage le rire que la peur.

 

Scream repose sur le hors-champ. La peur de ce qui peut surgir à tout instant. Il maintient une pression omniprésente sur le spectateur. La peur du hors-champ est amenée ici par Wes Craven à son extrême limite. Il fait preuve d’une maîtrise extraordinaire de cet artifice cinématographique. Il pousse véritablement à sa limite cette loi basique, lui conférant ainsi une valeur symbolique particulière.

 

La question du film n’est pas qui est l’assassin, mais où est-il ? , par où va-t-il surgir ?. Dès la scène d’introduction, le film l’affirme clairement et pose ainsi les règles du jeu. L’assassin dit à sa future victime (Casey Becker) qu’il harcèle au téléphone, que tout le jeu consiste à savoir où il est, et non qui il est. Scream est à ce niveau, un film transparent qui inscrit de manière frontale son fonctionnement au spectateur, qui a alors l’impression de contrôler sa peur. Ce qui n’est qu’une illusion, car Wes Craven manipule son spectateur du début jusqu’à la fin et à différents degrés.

 

La question de la localisation du tueur étant primordiale, la construction de l’espace devient alors centrale. Wes Craven construit des espaces à l’architecture fuyante où les possibilités d’accès se multiplient au fur à mesure des déplacements de la caméra. On avait rarement vu le Steady Cam aussi bien utilisé depuis Shinnig - ce qui n’est pas une mince référence - ; la caméra colle à ses personnages faisant découvrir des espaces fuyants. L’espace est un piège, un ascendant pour le meurtrier qui devient maître des lieux, de tous les lieux. C’est le maître du jeu.

 

Wes Craven ne perd pas une occasion pour montrer que l’assassin peut se cacher partout. Dans la scène d’introduction, avant que la menace ne se fasse réelle pour le personnage de Casey, Craven prend le soin avec une maîtrise irrésistible de faire évoluer son personnage dans la maison. Nous découvrons un espace piège, véritable prison ouverte : une maison aux baies vitrées omniprésentes, aux portes multiples et aux cachettes innombrables. Wes Craven nous fait entrer dans un espace non maîtrisable. Tout le film n’est qu’une variation du terme de “l’espace-piège”, un jeu perpétuel entre le visible et le non visible.

 

 

 

 

LA PUISSANCE MALEFIQUE DU HORS-CHAMP

LA REGLE EXACERBEE

 

 

Le hors-champ n’est pas construit de manière basique. Il y a une mise en abîme de celui-ci en corrélation avec le savoir spectatoriel. On retrouve régulièrement la figure du hors-champ dans le champ qui joue sur la profondeur dans l’image.

 

A plusieurs reprises, le meurtrier surgit d’un seul coup d’un coin de l’image qui n’est pas accessible aux yeux du spectateur. D’une manière générale, il y a des hors-champ pour le personnage qui ne le sont pas pour le spectateur. Celui-ci possède très souvent une longueur d’avance sur le personnage, prisonnier de son champ de vision réduit, alors que le spectateur bénéficie d’un horizon beaucoup plus étendue.

 

Lors des interventions du tueur, on peut distinguer deux modes d’apparition à l’écran. Ou le personnage voit au même instant que nous le tueur (c’est le cas par exemple dans la scène d’ouverture, lorsque Casey, une fois dehors, voit fugitivement le tueur traversé une pièce de la maison) ;ou nous bénéficions d’un petit décalage en notre faveur (comme lorsque l’assassin surgit du placard derrière Sidney ou lorsque le proviseur referme la porte de son bureau et que le tueur se précipite sur lui, sauf  que nous l’avions deviné). La toute petite avance qu’a le spectateur est suffisante pour lui permettre d’apprécier sa place de témoin privilégié, hors de danger, un peu en en retrait et donc protégé. Mais elle suffisamment mince pour que le public partage l’effroi de la victime, le spectateur prend alors part à l’action par production d’affects. Craven joue parfaitement sur cette présence directe et indirecte, de conscience et d’inconscience que permet l’identification cinématographique. Le spectateur est entre la focalisation interne et la focalisation zéro. Il en sait autant que les personnages ou un petit peu plus. Rarement un film a joué avec une telle ambiguïté sur la place du spectateur.

 

Les seules fois où le personnage à de l’avance sur le spectateur, sont les moments de sursauts, les fausses / vrais peurs. Wes Craven s’amuse continuellement à faire peur gratuitement à ses personnages et donc naturellement à ses spectateurs, en introduisant subitement un personnage dans l’espace du personnage que le spectateur découvrira une seconde plus tard grâce au contre-champ. Ces petits effets qui apparaissent de manière exponentielle dans le film, sont destinés à ce que le spectateur ne baisse pas sa garde un seul instant, même lors des scènes plus faibles en intensités dramatiques ou encore pour augmenter l’intensité lors des séquences de meurtres.

 

Craven joue avec  son spectateur et se joue de lui tout au long du film dans le but monter la pression. Ces fausses / vrais peur permettent de maintenir le spectateur en haleine. Le cinéaste fait tout pour que son public se fasse “bêtement avoir” avec des procédés éculés du film d’horreur et le plus fantastique est que cela fonctionne à merveille. C’est toute la maestria de Wes Craven qui est à l’œuvre.

 

 

 

 

 

 

 

 

Les faux champs sont nombreux dans le film, ainsi la musique est savamment utilisée pour créer un danger, autour d’un espace non-visible, parfois illusoire ou au contraire pour donner au public un indice sur la localisation du tueur. Ainsi, dans la séquence qui précède la première attaque du tueur à l’encontre de Sidney, celle-ci prépare ses affaires pour passer la nuit chez son amie Tatum. Elle ouvre le placard dans l’entrée et nous entendons une petite musique angoissante qui ne dure que le temps de son action. Le spectateur, tout en ne sachant pas du tout, ce qui va se passer par la suite, pressent que le danger viendra de ce placard et lorsque plus tard Sidney menacée sans savoir d’où vient le danger, sera de dos au placard, le spectateur attendra frémissant le surgissement de la menace tant redoutée. Finalement, le vrai hors-champ dans Scream est davantage sonore que visuel.

 

Nous sommes là encore dans les procédés éculés du genre, mais à la simple différence près, que Wes Craven utilise ses petits effets au second degré, souvent pour faire rire eu se moquer de son public, ce qui souligne encore une fois toute sa maîtrise pour l’utilisation de ce genre d’artifice. Wes Craven ne lâche jamais la pression, lors des scènes plus faibles en intensité, il n’hésite pas à faire apparaître furtivement le tueur. Les personnages ne le voient pas, son apparition ne sert qu’à tenir le spectateur en haleine. Il apparaît à deux reprises à la fin de scènes secondaires, dans le jardin de Tatum et plus tard dans la vitre d’un magasin où Sidney et Tatum font quelques courses.

 

 

L’ennemi vient de l’intérieur

 

Ses irruptions dans le champ renvoient essentiellement à la notion d’effraction qui semble a priori faire référence à la peur omniprésente dans la fiction américaine de l’élément étranger et perturbateur qui vient rompre un équilibre et représente une menace. Le film se déroule dans le cadre de Woodsboro, stéréotype de la petite ville américaine de Californie du Nord et donc a priori aux mentalités autarciques ou tout le monde se connaît. Le danger devrait venir de l’extérieur et pourtant, il n’en n’est rien, le danger provient bien de l’intérieur, du familier. Nous entrons là dans le domaine de l’inquiétante étrangeté freudienne, mais également dans la fable politique sur l’identité des ennemis qui ne sont pas ceux que l’on croit. La différence, l’étranger sont absents du film, tout se passe dans le domaine fermé du déjà connu ou le plus familier devient notre pire ennemi : le voisin, la famille, le film d’horreur. La menace, nous est proche, elle fait partie de nous, comme une tumeur cancéreuse qui ronge le corps nourricier.

 

 

 

LA CITATION, L’HOMMAGE ET LA MISE EN ABIME

 

Le film est construit intégralement autour de la citation et de l’hommage. Il y a des citations directes et indirectes, évidentes ou plus subtiles. Concernant les citations indirectes, le film que l’on retrouve le plus dans Scream est l’incontournable Halloween de John Carpenter. Scream s’amuse à multiplier les clins d’œils que l’amateur de films d’horreur saura apprécier. Par exemple, le nom de famille de Billy est Loomis, comme le médecin dans Halloween. Lorsque Sidney rentre chez elle après le Lycée et téléphone à son amie Tatum pour savoir à quelle heure celle-ci va passer la chercher, puis s’assoupi sur le canapé, nous retrouvons exactement la même scène dans le film de John Carpenter.

 

 

 

Hitchcock

 

Hitchcock est omniprésent dans Scream mais pas uniquement de la manière la plus évidente. La citation relève davantage d’une approche maniériste de la reprise de figures mises en place par le maître du suspens.

 

Hitchcock est tout d’abord présent par la citation directe. En effet, Billy, l’un des assassins, fait référence à Norman Bates, le personnage de Psychose dans la scène finale.

 

Mais l’hommage principal est tout simplement le refus du “who done it”, en effet, l’intérêt est davantage porté de manière latente sur la localisation. D’autre part, on peut également faire un rapprochement avec Psychose concernant la construction du récit. Il est manifeste de constater que comme dans le chef d’œuvre d’Hitchcock, la première héroïne n’est pas la bonne. Même si dans Scream, il ne faut pas attendre la moitié du film pour voir le récit translater vers une autre personne. On peut y voir un certain hommage. Enfin, la scène du meurtre du proviseur, on ne peut plus classique et efficace dans sa construction, se termine par un hommage à Psychose. On voit, en effet, se refléter le masque du tueur dans l’œil de la victime.

 

On retrouve également le principe du hors-champ pour le personnage qui ne possède pas le danger dans son champ de vision, contrairement au spectateur, qui acquiert une longueur d’avance sur lui, qui est typiquement hitchcockien.

 

Wes Craven fait même une apparition, à la manière Hitchcockienne, dans le film. C’est lui le balayeur que voit le proviseur dans le couloir. De plus, il est habillé comme Freddy, avec un pull-over rayé et un chapeau.

 

La façon dont Wes Craven représente la maison renvoie clairement à l’univers visuel d’Hitchcock. C’est une demeure immense, reculée ancienne, inquiétante dans laquelle se déroulera la tuerie finale. Lorsque l’on se penche d’une manière plus globale sur les maisons dans Scream, nous nous rapprochons une nouvelle fois d’Hitchcock en terme de représentation psychanalytique au centre de l’œuvre du cinéaste anglais. On retrouve également cette propension des ciels qui se découpent de manière curieuse sur les maisons. Ses couchés de soleil presque artificiel sont l’un des motifs récurrents de l’univers de Hitchcock.

 

 

Films d’horreur comme seule référence

 

 Les personnages passent leur temps à se référer à des films d’horreurs, ce qui semble plutôt logique car ils en sont les protagonistes à la fois conscients et inconscients. Ils se rendent compte que le tueur qui sévit à Woodsboro les plonge dans une situation proche du film d’horreur et d’autres part, ils sont bel et bien les protagonistes du film d’horreur proposé au spectateur. Le monde diégétique de Scream répond au désir de fiction de ses personnages qui sont nos représentants. Les meurtres à Woodsboro ne sont pas véritablement un motif d’angoisse pour les jeunes mais davantage un amusement. Ils sont curieux, excités et n’y voient qu’une occasion de prendre du bon temps.

 

 

 

Les seules références des personnages sont les films d’horreur, la télévision. Il suffit de voir comment ils sont admiratifs lorsque la journaliste arrive dans la maison. Ils réagissent comme de véritables fans. Même pour aborder leur problème intime, la fiction semble leur seul repère. Billy pour expliquer à Sidney qu’il aimerait avoir des rapports sexuels avec elle parle du film l’exorciste, et de la version tout public diffusée le soir même à la télévision.

 

A la fin de Scream, Sidney émet le souhait d’être dans un film avec Meg Ryan (comédie romantique) et non dans un film d’horreur.

 

Wes Craven décrit parfaitement cet effet de miroir à l’œuvre dans Scream entre la réalité et la fiction :

“Le genre est beaucoup plus riche que ce que la plupart des gens pensent, on est dans la mythologie et le conte ; dans Scream je traite à la fois de la réalité ou nous vivons, mais aussi de son reflet dans les films, la vidéo, la télévision, dans les médias ; il y a toutes ces couches d’informations et de désinformation qui s’accumulent tant les une sur les autres, que nous avons du mal à distinguer ce qui est réel de ce qui ne l’est pas…”

 

 

Désir de fiction

 

Le drame qui se déroule à Woodsboro n’a lieu que parce qu’il répond au désir du public et des personnages, qui en veut toujours plus et qui ne se satisfera pas d’une version réactualisée des films d’horreur au premier degré. Le fait que les personnages constituent le public potentiel de Scream, n’est pas sans conséquences sur la construction du film lui-même. Les protagonistes maîtrisent parfaitement les lois du genre et les utilisent dans la fiction.

 

Les coupables sont plus pervers et mettent au point des scénarios plus complexes car dénué de toute logique. En effet, si le scénario de Scream est complexe, l’identité des tueurs difficile à deviner, il faut bien avouer que le film manque de logique concernant les mobiles des deux tueurs. Billy, le petit ami de Sidney, voulait se venger du départ de sa mère, provoqué par la faute de la propre mère de Sidney. Quant à Stuart, il n’en a tout simplement pas et en invente un pour l’occasion. C’est d’ailleurs une scène absolument irrésistible qui par du principe que s’il y a une cause à une action aussi peu légitime soit-elle, elle satisfait le spectateur et sa volonté de savoir pourquoi, ce qui n’est pas le cas ici. L’identité et le mobile paraissent anecdotiques, car ils ne sont pas l’enjeu du film (ce n’est pas qui, mais où !) et font plonger la scène finale dans le second degré et le pastiche absolu.

 

Face aux coupables plus doués, les victimes ne sont pas en reste. Elles ne sont plus innocentes et savent se défendre. Tout l’art de Scream est de se situer dans l’entre deux, entre le premier et le second degré. Malgré sa mise en abîme perpétuelle, sa mise à distance, le film parvient à effrayer son spectateur. Le film pourrait néanmoins faire beaucoup plus peur, mais l’humour permet de désamorcer celle-ci ou tout du moins à le rendre plus supportable pour les âmes sensibles. Les affrontements entre agresseurs et agressés sont disputés, comme si la victime potentielle, forte de son savoir en matière de films d’horreur, avait des arguments pour se défendre. Il est intéressant de constater que seules les possesseurs de cette culture savent se défendre. Le proviseur et l’adjoint du shérif se font avoir comme des débutants, à l’ancienne, ne connaissant rien aux lois du genre. Dans la scène du meurtre du proviseur, il n’y avait que lui pour ne pas savoir que le tueur était derrière la porte !

 

Si les personnages pour la plupart maîtrisent les règles et donc devraient pouvoir échapper à l'agresseur en anticipant ses scénarios, cela n’empêche en rien le film de fonctionner en utilisant les codes et les règles du genre. C’est toute l’habilité du film. Le personnage de Sidney, la seule à détester les films d’horreurs se moquent d’eux en disant que la pauvre petite victime avec ses gros seins se réfugient toujours bêtement dans les chambres et ne pensent jamais à s’enfuir de la maison. Pourtant, lorsqu’elle se fait attaquer, elle se réfugie bel et bien à l’étage. Wes Craven aime à rappeler qu’il reste plus fort que ses personnages et donc que son public.

 

Si Sydney ne succombe pas, c’est parce que c’est la seule à ne pas aimer les films d’horreur et donc à ne pas désirer ce qui lui arrive. Car tous les autres meurent soit à cause de leur non maîtrise des codes, soit par leur désir destructeur. C’est le désir qui tue dans Scream, comme le dit si bien le personnage spécialiste des films d’horreurs Randy) en énonçant les trois règles pour rester vivant, dont l’une est de rester vierge et donc de ne pas consommer son désir.

 

Wes Craven démontre que le savoir n’empêche rien. Il ne bloque pas l’identification et n’empêche pas de se faire berner encore et encore. Randy en fait l’expérience dan cette mise en abîme délicieuse, lorsqu’il regarde Halloween qu’il a du voir 100 fois et supplie Jamie Lee Curtis de regarder derrière elle, alors que lui-même  devrait regarder derrière lui étant donné que le tueur est juste derrière.

 

 

 

PSYCHANALYSE

 

Wes Craven a une approche clairement psychanalytique du cinéma d’horreur, tout son cinéma ramène à une réflexion sur l’esprit de l’être humain, son fonctionnement, ses dérives. La psychanalyse forme la toile de fond de Scream qui permet une lecture à la fois parodique, décalée et véritablement prégnante. Le réalisateur reste proche de ses personnages, se rattachant comme dans son œuvre davantage à l’humain qu’à la métaphysique. Toute la structure du film repose sur des schémas psychanalytiques en terme de fausse pistes ou de vraies pistes.

 

 

Fausses pistes

 

La place du père est évidemment primordiale dans l’univers Freudien. Wes Craven l’utilise de manière implicite pour induire en erreur son public à travers des petits indices qui viennent soutenir le récit.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Ainsi, dès le début du film nous assistons à une micro-scène lourde de sens. Après que Billy se soit introduit dans la chambre de Sidney par la fenêtre. Le père de celle-ci, alerté par le bruit, essaie d’entrer dans la chambre de sa fille, mais est bloqué par la porte du placard qui empêche la porte de la chambre de s’ouvrir. On peut clairement y déceler une liaison avec la frustration du désir contrarié du père qui l’amènerait à commettre tous ces meurtres. En tous les cas, c’est ce que pense inconsciemment le spectateur, ce qui d’ailleurs, sera corroborer, par la suite, par tous les indices qui incrimineront directement le père et en feront le suspect idéal. D’ailleurs, à ce propos, il est assez symptomatique de constater que se sont ses indices détournés qui entraînent les soupçons du spectateur. Alors qu’au contraire tous les éléments directs, paraissent trop évident pour que le spectateur soutiennent ses hypothèses. A ce niveau, on peut affirmer que le scénario est très bien construit et est décuplé par la mise en scène qui se prête parfaitement au jeu des fausses pistes.

 

 

Vraies pistes

 

A fur et à mesure du film, on peut se demander pourquoi le personnage de Billy n’arrive pas à entrer dans un lieu de manière normale. Il passe par la fenêtre ou bien fait irruption sans prévenir et fait peur à son entourage. La lecture d’un tel comportement devient limpide lorsque l’on apprend que sa mère à quitter le foyer familial, il y a quelques années de cela. Le départ de sa mère l’a profondément perturbé et l’a laissé en quelque sorte sans lieu d’attache. Ce raccourci psychanalythique plutôt simpliste s’inscrit totalement dans la logique interne de Scream.

 

La façon dont Wes Craven met en scène l’espace de la maison est symptomatique. Les pièces de la maison dans l’univers de Wes Craven renvoient au découpage psychique de l’esprit humain. Les couloirs, les greniers et les caves représentent plus ou moins les méandres de l’inconscient avec ce qui s’y déroule, à savoir le mécanisme des névroses. On pourrait voir une construction de la maison à plusieurs niveaux, comme l’esprit humain visité par la psychanalyse, à savoir le Moi qui serait globalement le salon où l’on invite, l’on reçoit et où nous sommes en représentation ; le grenier qui serait l’antre des pulsions cachées et secrètes ; lieu que l’on ne visite que pour entreposer des nouvelles choses ou à l’occasion d’un déménagement. Le lieu prend alors toute sa force symbolique. Dans Scream, le grenier est paradoxalement un lieu de passage. Lorsque Sidney, après s’être finalement offerte à son petit ami Billy, est poursuivie par le tueur, son désir de fuir à l’extérieur est contrarié et elle se réfugie dans le grenier. Le grenier est alors un lieu de refuge et de fuite qui s’avère très vite un lieu d’enfermement duquel il faut s’enfuir (ce que fera Sidney en tombant par la fenêtre). Nous sommes clairement dans un schéma basique de la psychanalyse. Craven s’amuse en recyclant au second degré ses propres incursions dans la psychanalyse qu’il a exploré notamment dans Freddy sort de la nuit.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Les personnages et la psychanalyse

 

Les personnages eux-mêmes se prêtent à l’échafaudage de théories psychanalytiques pour trouver des mobiles, souvent avec un ton parodique. Il ne faut pas oublier que l’enjeu du film est de savoir où est le tueur et non qui il est. Pourtant, les personnages sont davantage préoccupés par l’identité du tueur, se perdant en raisonnements qui amènent à la conclusion effrayante que cela peut-être n’importe qui. Tout le monde est suspect, aux yeux des personnages et aux yeux du public à l’exception de Sidney, de son père (suspect trop évident) et pour un instant de Billy. Le film s’amuse bien entendu à brouiller les pistes ou au contraire à les rendre trop limpides. Finalement, contrairement aux personnages, seul le spectateur a compris quel était l’enjeu véritable, à savoir la localisation du tueur.

 

Dans la scène se déroulant dans les toilettes du Lycée, Sidney surprend une conversation entre deux étudiantes qui tentent de trouver un mobile à Sidney dans l’hypothèse où se serait elle la meurtrière ; plus tard cet autour des jeunes héros d’échafauder différentes hypothèses sur les mobiles de chacun. Très intéressantes, ces deux scènes outre leur dimension paranoïaque, propose une vision parodique de la psychanalyse. Sur un mode prosaïque, les différents personnages s’emparent de la vulgarisation populaire de l’analyse psychique, comme le fait en quelque sorte Wes Craven lui-même dans ses films, mais sur un niveau beaucoup plus construit et donc effrayant. Juste avant de s’offrir à Billy, Sidney se lance dans sa propre analyse pour expliquer pourquoi elle était si distante avec son petit ami depuis quelques temps. Elle lui donne les résultats de son travail introspectif provoqué par le choc des événements récents qui ont réveillé en elle ses troubles datant de la mort de sa mère, un an auparavant. Elle a compris qu’elle se mentait à elle-même, qu’elle savait que sa mère avait de mœurs légères. Son éloignement physique provient du simple fait, qu’elle a peur de devenir comme sa mère. Le personnage de Sidney réalise par ce discours, une sorte de redite pour le spectateur qui avait déjà de manière plus ou moins consciente compris son blocage, dont l’explication se dessine au fur et à mesure du film. Dans la première scène entre Billy et Sidney, cette incapacité de Sidney vis à vis du sexe, sa frigidité morale, est déjà posée comme un enjeu scénaristique qui trouvera des ramifications dans l’ensemble du film. Le sexe et le désir sont les moteurs de l’action.

 

 

La mort en famille

 

On retrouve également dans Scream la dimension liée à l’univers familial. Dans tous les films de Wes Craven est présent la notion de responsabilité familiale et contrairement à ce que voudrait la loi du genre ce n’est pas au sein de l’équilibre familial que l’on échappe à l’horreur. Au contraire, c’est en se défaisant de ces liens familiaux, conjugaux ou en s’éloignant d’un groupe que le personnage arrive à s’en sortir. Wes Craven joue encore une fois sur l’inquiétante étrangeté, c’est dans l’univers le plus familier que le danger trouve son origine. C’est le familier qui est épouvantable. Il va contre l’hypocrisie en vigueur dans la représentation de la famille et du couple dans le cinéma américain. Son cinéma devient par ce biais politique. Il propose une critique de la société dès plus implacable, qui va contre les représentations institutionnelles.

 

 

 

 

 

Le spectateur comme vrai coupable

 

Tout le monde dans Scream est potentiellement coupable, car par extension au postulat que les personnages sont nos représentants, ils ont tous le désir que le drame se produise. Dans la fiction, il y a bien des coupables, mais ils ne sont qu’un prétexte, qu’un paravent des véritables responsables de cette sauvagerie : le spectateur. Le public n’est pas le chef d’orchestre de cette barbarie jouissive et sadique, mais l’instrument et d’une certaine façon le commanditaire. L’assassin est bel et bien dans la salle, comme le mettra littéralement en scène Scream II dans sa scène d’ouverture, jouant sur la mise en abîme. Wes Craven donne clairement sa position sur le sempiternel débat concernant la violence à l’écran. Entre les partisans de la catharsis et ceux qui pensent qu’il ne faut pas représenter la violence, la lutte fait rage. Wes Craven remet les choses au point, ce n’est pas l’offre qu’il faut incriminer mais la demande. La violence au cinéma est celle qui lui est demandée par le public. La scène de révélation est particulièrement ironique. Les tueurs disent à Sidney de regarder davantage de films d’horreur. Sidney pense que se sont les films qu’ils les ont rendus fous. Ils répondent qu’ils n’y sont pour rien, qu’ils les ont juste rendus plus créatifs.

 

 

 

 

Scream est un film sur la jeunesse et son rapport à la fiction de plus en plus volatile. C’est dans l’architecture secondaire que se cache l’auteur. Wes Craven intègre le scénario et le transcende à travers sa mise en scène. Son univers et ses thèmes se retrouvent dans chaque plan, dans chaque mouvement de caméra et nous propose une vision du monde à travers un rapport direct, une interpellation à laquelle on ne peut échapper.